En la actualidad la práctica profesional está experimentando cambios que están afectando al modo de trabajar de los arquitectos. Los estudios de arquitectura están reinventándose para adaptarse a las nuevas demandas sociales, tecnológicas y productivas. Sin embargo, a pesar de los cambios que están produciéndose en la profesión, la formación de los arquitectos en las escuelas continúa centrándose en modelos educativos cada vez más alejados de las demandas profesionales. Conscientes de ello, las escuelas se han visto obligadas a revisar sus programas para desarrollar métodos de enseñanza que les permitan adecuarse a la situación actual. En consecuencia, el modelo tradicional de Taller de Arquitectura, considerado el núcleo de la enseñanza en arquitectura, se encuentra inmerso en un proceso de transformación. En este artículo se abordan algunas de las tendencias que actualmente se perciben en la profesión y su impacto en la formación de los arquitectos. En particular se analiza cómo el modelo tradicional de Taller de Arquitectura está evolucionando hacia nuevos espacios de aprendizaje interdisciplinares, interdependientes e interconectados. También se exponen algunos ejemplos basados en modelos educativos emergentes –Aprendizaje Combinado, Aprendizaje Basado en Proyectos Colaborativos, Aprendizaje Digital, Aprendizaje Basado en la Práctica Profesional–. Finalmente se formulan algunas hipótesis sobre el futuro del Taller de Arquitectura. Nowadays, the professional practice is undergoing changes that are affecting the architects’ work. Architectural studios are reinventing themselves to adapt to new social, technological and productive demands. However, despite the changes that are occurring in the profession, the training of architects in schools continues to focus on educational models that have grown more and more distant from the professional demands. In view of this, schools have been forced to revise their programs in order to develop teaching methods that enable them to adapt to the current situation. Thus, the traditional model of the Design Studio, considered as the core of education in architecture, is undergoing a transformation process. This essay focuses on some of the driving factors that are currently present in the professional practice and their impact on the training of architects. Especially it analyses how the traditional model of the Design Studio is evolving into new interdisciplinary, interdependent and interconnected learning spaces. It also explains some examples based on emerging educational models –Blended Learning, Collaborative Project-Based Learning, Digital Learning, and Practice-Based Learning–. Finally, some hypotheses about the future of the Design Studio are formulated.

El dominio de las fuentes y recursos necesarios para el acceso a la información, en especial aquella disponible en la red, resulta fundamental en el trabajo de investigación sobre arquitectura. Conociendo diversos canales de depuración, los estudiantes pueden organizar de manera autónoma la descomunal cantidad de datos presente en Internet, depurar los contenidos y compartirlos, evitando la excesiva dependencia de conocidos motores de búsqueda. Se pretende así que cada alumno, en sus tareas de investigación, aprenda a familiarizarse con un escenario de trabajo cada vez más abierto y flexible. En definitiva, se trata de que incorpore el aprendizaje de la tecnología como elemento indispensable y horizontal de su formación, alejándose de la rutina y de unos modelos de uso completamente desfasados. Mastering the resources and tools to access information, especially that available on the internet, is a key issue for researchers in architecture. The use of visual and collaborative curation tools, enables students to organize the vast amount of online data. Moreover, they can drag and collect digital objects, filter web contents and results, thereby avoiding over-reliance on popular search engines. The aim is to enable students to familiarize themselves with an increasingly flexible and open work environment. In short, it is essential for them to incorporate technology, digital tools and online learning activities as key elements of their training, in a radical move away from outdated routines and uses.

El presente trabajo trata acerca de las implicaciones que tuvo la introducción de la hamaca en el libro Mechanization Takes Command de Sigfried Giedion como parte del desarrollo del mobiliario doméstico moderno, bajo la hipótesis de que este artefacto de origen tropical no solo resultó clave para la caracterización que Giedion propuso para la domesticidad moderna, sino también para la introducción de unos modos de vida caracterizados por la flexibilidad, movilidad y vida en exteriores. Continuidades entre un objeto ‘anónimo’ y la esfera del diseño moderno, que en Giedion además habría funcionado como un medio a través del cual poder restituir la unidad entre pensamiento y sentimiento, así como las incertidumbres que arrojó la posguerra sobre el rol de la técnica. This paper discusses about the implications that had the introduction of the hammock in the Gideon`s book Mechanization Takes Command, as part of the development of modern home furnishings. Under the assumption that this tropical artifact was the key not only for Giedion characterization for modern domesticity, but also for the introduction of a lifestyle characterized by flexibility, mobility and life outdoor. Continuities between an ‘anonymous’ object like that, and the sphere of modern design, where also have functioned as a medium through which to restore the unity between thought and feeling, as well as uncertainties that produced the postwar on the role of technique.

Valparaíso es el resultado de la unión de dos ciudades en una: la ciudad vertical de los cerros y la ciudad horizontal del Plan –parte plana–. Esta doble naturaleza ha ido configurando una dualidad obligada a convivir y a establecer un continuo diálogo, acabando en la mayoría de los casos en conflicto. Si por un lado está la ciudad global y ortogonal como resultado de la ocupación europea, por otro lado estará la ciudad onírica agarrada a los acantilados ajena a cualquier orden preestablecido. Cada una de estas dos ciudades irá materializando su propia arquitectura: una real y estandarizada, propia de cualquier periferia de ciudad, y otra imposible. Será esta segunda la que vaya evolucionando en un intento continuo de adaptación y será el propio lugar el encargado de rechazar cualquier construcción que no le sea propia. Esta dicotomía quedará plasmada en numerosos proyectos que nunca verán la luz. El objetivo del artículo será mostrar, a partir de numerosos proyectos inéditos descubiertos en Valparaíso, cómo la arquitectura pensada para los cerros nunca llegó a construirse y fue dando paso a unas construcciones a medio camino entre lo real y lo imaginario, entre la lógica y el sueño. Valparaiso is the result of the union of two cities in one: the vertical city of hills and city of Plan horizontal –flat–. This dual nature has been forming a duality forced to live together and establish an ongoing dialogue, ending in most cases conflict. If one side is orthogonal global city as a result of European occupation, on the other hand is the dream city clinging to the cliffs outside any preset order. Each of these two cities will roll out its own architecture: a real, standard, typical of any city outskirts and another impossible. It will be the second that evolves in a continuous attempt to adapt and will place himself in charge of rejecting any construction other than her own. This dichotomy will be reflected in numerous projects that were never built. The objective of this article is to show, from numerous discovered unpublished projects in Valparaiso, how architecture designed for the hills never built and gave way to a building halfway between the real and the imaginary, between logic and sleep.

Rem Koolhaas es un personaje controvertido cuyas manifestaciones tienen siempre una cierta capacidad de anticipación sobre lo que va a estar sobre la mesa en el discurso arquitectónico subsiguiente. Este don de la oportunidad le permite, en cierto sentido, determinar los temas que van a ser estudiados de manera recurrente a posteriori, o generar una corriente conceptual, proyectual e incluso gráfica, que perdura mucho más que su propio interés en la misma. En mucha ocasiones sus giros conceptuales pueden observarse como inconexos o discontinuos, incluso contradictorios. Sin embargo, entendemos que se maneja mucho mejor en la ‘controversia’ que en la mera ‘contradicción’. A través de este texto pretendemos reflexionar sobre sus últimas propuestas conceptuales y comunicativas y determinar cuáles son las continuidades que estructuran el discurso global, proveyendo al mismo de una coherencia mucho más significativa de lo que a priori se podría determinar. Las distintas fases conceptuales presentan una serie de hilos conductores que configuran un todo compacto y, sin embargo, multifacetado. Rem Koolhaas is a controversial figure, whose manifestations have always a certain ability to anticipate what will be on the table in the architectural subsequent discourse. This gift of opportunity allows him, in a sense, to identify the topics that are going to be studied retrospectively recurrent, or to generate a conceptual flow, projective and even graphic, that lasts much more than his own interest in the specific matter. In many cases, his conceptual drafts can be seen as disconnected or discontinuous, even contradictory. Nevertheless, we understand that he manages much better in ‘controversy’ than in mere ‘contradiction’. Across this text we try to think about his last conceptual and communicative proposals and to determine which are the continuities that structure the global speech, providing it of a much more significant coherence thanit could be determined. The different conceptual phases present a series of conductive threads that form a compact whole and yet, multifaceted

El trabajo que se expone a continuación es parte del resultado de un trabajo de investigación realizado en la Universidad Politécnica de Madrid. A través de este artículo, se analiza el proyecto de la sala de exposiciones para el concurso del Palacio de los Deportes de México realizado por Félix Candela en asociación con Enrique Castañeda y Antonio Peiri en el año 1968. En el artículo se incluye la documentación original conservada en los depósitos de la Avery Architectural and Fine Arts Library y Princeton University Library, así como los planos e infografías inéditos, realizados por los autores de este artículo para la reconstitución del proyecto. La nueva documentación generada adquiere especial relevancia al tratarse de un proyecto que no llegó a construirse y del que existe escasa información. A partir de ella hemos podido analizar la compleja geometría de la cubierta generada a partir de la combinación de paraboloides hiperbólicos que se apoyan sobre una estructura arbórea metálica. A su vez, en el artículo se estudian las influencias que Candela tuvo por parte de arquitectos como Frei Otto o Emilio Pérez Piñero, que contribuyeron al cambio de rumbo que tomó su arquitectura abandonando sus icónicas estructuras laminares de hormigón para pasar a realizar estructuras metálicas. The work presented below is part of the results of a research project at ‘Universidad Politécnica de Madrid’. In this paper we analyze the project of the exhibition hall next to the Sport Palace in México. It was designed by Felix Candela in association with Enrique Castañeda and Antonio Peiri in the year 1968. The original plans made by Félix Candela are included in the research paper. They are stored in the Avery Architectural and Fine Arts Library and in the Princeton University Library. We have also added computer generated images and drawings, which allowed us to analyze the geometry of the project. The new documents drawn by the authors of the paper are especially important since the project wasn´t built. They allowed us to analyze the complex geometry of the project, which was done using hyperbolic paraboloids on branched pillars. In the paper we study the influences that Felix Candela had from the architects Frei Otto and Emilio Pérez Piñero. Both of them contributed towards the new direction of Felix Candela’s architecture.

En 2015 Frei Otto recibió el Premio Pritzker. Como homenaje a este importante arquitecto del siglo XX este escrito busca profundizar en el Centro Polivalente de Mannheim como uno de los principales ejemplos de la arquitectura resuelta con la técnica Grid Shell, que consiste en una manera de doblar una superficie plana hecha con una malla de madera lo suficientemente flexible como para transformarse en una superficie ondulada que podría ofrecer un espacio complejo y rico, listo para ser usado. En clara oposición a los proyectos conocidos del estadio Olímpico de Munich o el Pabellón en la Exposición Universal de Montreal, con este edificio Frei Otto explora una estructura de compresión que sigue la geometría y la organización de las estructuras de la naturaleza. Este campo de experimentación e investigación acerca de las estructuras naturales es el centro en torno al que giró su trabajo durante toda su vida en el Instituto de Estructuras Ligeras en Stuttgart. La experimentación con maquetas y con técnicas de fotogrametría para extraer datos fidedignos relativos al estudio con las superficies de pompas de jabón, así como los estudios con pesos colgados de finas cadenas para obtener las formas finales de sus proyectos, caracterizan su trabajo. This last year 2015 Frei Otto received the Pritzker Prize. As a tribute to this important architect of the twentieth century this writing searches deeper in The Mannheim Multipurpose Center as a one of the main examples of architecture, solved with the technique of the Grid shell, which is a way to fold an original flat surface made with a wooden net, enough flexible to transform into a undulating surface that could offer a complex and rich space ready to be use. In clear opposition to the well known projects of the Olympic Stadium of Munich or The EEUU pavilion in the International exhibition in Montreal, with this building Frei Otto explores a compression structure that follows the geometry and organization of the nature structures. This field of experimentation and research about the nature structures, is the point in which he focused his work during his whole life in the Institute of Light Structures in Stuttgart. Experimentation with models and photogrammetry techniques to extract reliable data relating to study the surfaces of soap bubbles, as well as studies with thin chains and hanging weights that shape the form of the building, are the main aspects that characterize his work.

Con mucha frecuencia la escultura, debido a su inmediatez material y temporal de ejecución, ha sido capaz de investigar más rápidamente que la arquitectura sobre los parámetros que rigen la realidad espacial y la percepción de esta. Según esta idea se pretende analizar el papel del espacio en la obra del artista vasco Jorge Oteiza (Orio, 1908-San Sebastián, 2003). Para ello nos apoyaremos en varios instrumentos eficaces que permiten entender sus categorías espaciales, tales como el dibujo, la fotografía o el vídeo. Gracias a estos instrumentos, las esculturas, al margen de su valoración particular, adoptan un sentido demostrativo dentro de la obra entendida como un conjunto unitario. Nos fijaremos en tres maneras de configuración tridimensional del espacio: el espacio modelado, que nos hablará de la acción sobre la masa, el espacio tallado, que perforando la masa busca crear un vínculo entre dos ámbitos separados, y el espacio plegado que conseguirá condensar un vacío cuando envuelva a la materia suprimida. Estos mecanismos de análisis nos han permitido resaltar varios encuentros espaciales –topografías, ventanas y ausencias– con los que intentaremos justificar la pertinencia de las ideas espaciales experimentadas por Oteiza, haciendo posible una relectura crítica de su obra. Sculpture, because of its material and temporal immediacy of execution, has been capable of investigating more quickly the parameters that govern spatial reality and its perception than architecture has. As this idea, our goal is to analyse the role of space in the work of the Basque artist Jorge Oteiza (Orio, 1908-San Sebastián, 2003). In order to that, we base our work principally on several efficient tools that make it possible to understand his spatial categories such as drawing, photography or video. Thanks these tools, the sculptures, apart from their individual assessment, take on a demonstrative meaning within the work taken as a whole. We focus on three methods of three-dimensional configuration of space: moulded space, which speaks to us about action on mass; carved space, which seeks to create a link between two separate environments by perforating mass; and folded space, which condenses emptiness when it surrounds the matter suppressed. This system of analise makes it possible for us to extract several spatial discoveries –topographies, windows and absences– that is how we intend to justify the pertinence of spatial ideas experienced by Oteizas, making possible a critical rereading of his work.

Estudiar la práctica arquitectónica de los últimos veinticinco años puede generar una sensación de malestar cultural causada por la erosión de los fundamentos de la disciplina en tres líneas básicas: subjetivismo en la estética, relativismo cultural –ajenidad de la teoría y ausencia de crítica– e ingeniería como verdadera arquitectura. La reivindicación de Hays y Eisenman del concepto de autonomía formal en arquitectura introdujo un uso sistemático y abusivo de la arbitrariedad y la ambigüedad, reforzando el hermetismo de la teoría iniciado hacia 1968, volviéndola sistemáticamente críptica y ajena a conceptos con espesor social y generando una actitud anti-intelectual y anti-teórica. El creciente cisma entre teoría y práctica se ve hoy paradójicamente reforzado por la revisión Post-Crítica, al evitar abandonar la jerga hermética que critica. La teoría, dominada por una ‘autonomía discursiva’ metafísica con existencia propia y por el desplazamiento de la reflexión desde la arquitectura de lo cotidiano a su vinculación exclusiva con la ‘gran arquitectura’, se ha vuelto así extemporánea y exige nuevos estilos, formatos y modelos de práctica mediante una necesaria reestructuración para que pueda convertirse en un campo creativo que vuelva a enlazar en un dialogo vivo con la historia y la práctica de la arquitectura. To study the architectural practice of the last twenty-five years can generate a sensation of cultural uneasiness caused by the erosion of the discipline foundations in three basic lines: subjectivism in the aesthetic one, cultural relativism –otherness of theory and absence of critic– and engineering like true architecture. The vindication of Hays and Eisenman of the concept of formal autonomy in architecture, introduced a systematic and abusive use of arbitrariness and ambiguity, reinforcing the hermeticism of theory initiated towards 1968, returning it systematically cryptic and unaware of concepts with social thickness and generating an anti-intellectual and anti-theoretical attitude. The increasing schism between theory and practice is today paradoxically reinforced by the Post-Critic revision, by avoiding leaving the hermetic slang that criticizes. Theory, ruled by a metaphysical `discursive autonomy´ with an existence of its own and by the shift of the reflection from the everyday architecture to its exclusive entailment with `great architecture´, has thus become extemporaneous and demands new styles, formats and models of practice by means of a necessary reconstruction so that it can become a creative field that returns to engage in an alive dialogue with history and the practice of the architecture.

¿Podríamos leer espacios arquitectónicos de forma sinestésica? ¿Con nombres o sentidos distintos a los esperados? ¿Qué sucedería? Leer espacios desde esta otra visión tiene que ver tanto con la puesta en duda de la necesidad de nombrar, como con olvidar los nombres como contenedores estancos. Frente al nominalismo ‘exagerado’ o ‘absoluto’ que relaciona unívocamente nombres y objetos, espacios y usos –estímulos determinados con sentidos determinados–, se superpone un entendimiento de la arquitectura en que los espacios y lugares se pueden definir de una forma más indeterminada, inesperada y cambiante. La ‘restauración de las cumbres del Turó de la Rovira’ en Barcelona, de los estudios Jansana-de la Villa-de Paauw y AAUP, representa un interesante caso de esta forma de proceder a través de desviaciones infinitesimales que consiguen grandes resultados. Could we read architectural spaces in a synaesthetic way? With names or senses different from the expected ones? What would happen? Reading spaces from this perspective has to do, both, with questioning the need of names and forgetting the sense of them as hermetic containers. Against the ‘exaggerated’ or ‘absolute’ nominalism that relates uniquely names and objects, spaces and uses –certain stimulus with certain senses–, it emerges an understanding of architecture where spaces and places can be defined in a more indeterminate, unexpected and changing way. The ‘preservation of Turó de la Rovira’s peaks’ in Barcelona, by Jansana-Villa-de Paauw and AAUP architecture studios, represents an interesting case of this procedure that deals with infinitesimal deviations followed by huge results.